"Llena de gracia": Lo que María guardaba en el corazón

El film llega a las pantallas españolas el próximo 13 de mayo, con un estreno inicial limitado a varias capitales, entre las que se incluye Sevilla. Ganadora en 2015 delpremio al mejor guión en el Festival Internacional de Cine Juan Pablo IIcelebrado en Miami, esta cinta del norteamericano Andrew Hyatt –también autor del guión– recrea los últimos días de la Virgen en la tierra.

La iglesia está en plena expansión, creciendo a un ritmo vertiginoso que llena a los Apóstoles de gozo pero también de preocupación: necesitan aclarar algunas cuestiones doctrinales, organizar mejor la formación de los nuevos bautizados…, y acuden a Pedro en busca de respuestas. Pedro, en medio de sus dudas, recibe la llamada de María, que vive retirada en un lugar tranquilo. Este podría ser el resumen del planteamiento del film.

Una pelicula sobre el perdón y los mártires de la Guerra Civil

(Juan Jesús de Cózar).- En la línea de “Un Dios prohibido” (Pablo Moreno, 2013), el próximo 14 de febrero se estrena en España “Bajo un manto de estrellas”, de Óscar Parra de Carrizosa. La película se desarrolla durante el verano de 1936 en el convento dominico de Almagro (Ciudad Real), donde se disponen a pasar los meses de julio y agosto una veintena de frailes después de que los demás residentes ‑novicios y estudiantes‑ regresaran a sus casas para las vacaciones. Poco después, el 18 de julio… Desde los primeros momentos, el espectador presagia el trágico final de estos religiosos, cuya tensión interior crece al ritmo de los acontecimientos externos. “Somos viajeros con un destino conocido, pero con una hora de llegada incierta”. Esta frase, pronunciada por uno de los frailes, resume no sólo la dramática situación en la que se encuentra el grupo, sino también cualquier ser humano. Y ese estado de incertidumbre –que recorre toda la película‑ le sirve a Óscar Parra para describir el proceso interior de los protagonistas, desde el nerviosismo y el sufrimiento hasta el amor y el perdón.
  Tanto los productores como el director (también coguionista) han evitado expresamente la introducción de valoraciones políticas en el filme, conscientes de que “tomar partido” no supone ningún avance para cicatrizar las heridas de una tan dolorosa contienda fratricida. No olvidar, pero sí purificar la memoria; no indiferencia, pero sí brazos abiertos para perdonar y pedir perdón; no uniformidad, pero sí respeto y eliminación de prejuicios. Un programa necesario –conocerse y comprenderse‑ para convivir en paz. Aunque en el imaginario del director está sin duda “De dioses y hombres” (Xavier Beauvois, 2010), no hay que esperar de “Bajo un manto de estrellas” una producción espectacular ni actuaciones extraordinarias. Se trata de una notable cinta de bajo presupuesto ‑¿quién puede rodar ahora en España una película cara?‑, que suple con entusiasmo y voluntad las consecuencias de una economía enferma. Además, el argumento revela una gran labor de investigación. Ha sido esencial para el guión la aportación del diario de un novicio, que sobrevivió a la matanza. Tenía 17 años. Eso le salvó. Vale la pena visitar la web del filme, donde se puede ver el tráiler, descargar el press-book, consultar los cines donde se estrenará (de momento, en 24 salas), solicitar una proyección en la propia localidad, etc. Es una de esas extrañas oportunidades que merece la pena no dejar pasar.

LA RESURRECCIÓN PRÓXIMAMENTE EN CINES

Ocho años después de ver el fenomenal éxito de Mel Gibson "La Pasión de Cristo", el promotor y productor de Hollywood David Wood se mantiene firme a una visión que le atribuye a Dios - la historia de la resurrección de Jesucristo contada por medio de una gran película imagen. La película de Gibson, que también se conoce como "La Pasión", representa finales de Jesús de 12 horas de su vida, pero sólo alude brevemente a su resurrección al final. Wood planea producir lo que algunos en la comunidad cristiana y más allá de cine creen que será "Dios secuela" de la película, que narra los eventos que rodean la resurrección y los 40 días siguientes. "La Resurrección" será único en muchos sentidos, le dijo a The Christian Post el lunes. "El verdadero poder del cristianismo es Jesús resucitado", dijo Wood, de 49 años,. "Aunque todos sabemos que Cristo fue a la cruz por nuestros pecados, es realmente el poder de su resurrección, que es el poder de lo que somos como cristianos son verdaderamente. Esta segunda historia es acerca de esto. Es una historia sobre el amor y la esperanza . Esta es una historia mucho más positiva."

Estreno de "Prefiero el Paraíso", basada en la vida de San Felipe Neri

El 30 de marzo se estrena en España "Prefiero el Paraíso", una película de LUX VIDE que trata sobre la vida de San Felipe Neri. Simpática y conmovedora, gustará sin duda a niños y a adultos. Se proyecta, además, durante la Semana Santa, una época ideal para ver con los hijos películas familiares. Por su interés, reproduzco la crítica que ha publicado Decine21.

Hagiografía de san Felipe Neri, fundador de la Congregación del Oratorio, que vivió en Italia en el siglo XVI. Inicialmente concebida como serie, esta producción de la Radiotelevisión Italiana (RAI), fue seguida en su estreno por más de 6 millones de espectadores. El director, Giacomo Campiotti, ha supervisado una versión reducida para salas de cine.

Reconstruye la vida del santo desde que abandona Monte Cassino para irse a Roma, donde espera ser enviado como misionero a las Indias con los jesuitas. Como no es posible que viaje inmediatamente, se hospeda en casa de un matrimonio amigo que le pide que eduque a su hijo. Acaba dándole clases al chico, a su hermana, y a un grupo de ladronzuelos callejeros, con ayuda de su confesor, Persiano Rosa. Mientras aumenta progresivamente el número de fieles que se acerca a él, Neri preparará a sus indisciplinados alumnos para formar un coro que cante ante el Papa, que le ha prometido que tras conocerles se pensará si le permite fundar una congregación.

Describe la etapa de los Médici, convulsa en la historia de la Iglesia, donde Neri tuvo una gran importancia a la hora de reevangelizar Roma. El guión capta bien la esencia del protagonista, un hombre optimista, que insistía en que se sirviera a Dios con alegría, y también ingenioso, capaz de hilvanar respuestas rápidas, como en la conocida anécdota de donde sale el título, cuando el Papa le ofreció convertirle en cardenal, y él le replicó "prefiero el paraíso".

O cuando le pedía a los niños "Sed buenos... si podéis" -no en vano ha quedado como patrón de los educadores y de los humoristas-. Le encarna con la suficiente convicción el veterano actor Gigi Proietti.

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El gladiador Russell Crowe convertido en Noé: en junio comienza el rodaje

En unos meses empieza el rodaje de "Noah", la nueva superproducción del director de Cisne Negro y El Luchador. Esta "arca cinematográfica" de Darren Aronofsky zarpará en julio y será la adaptación del relato bíblico de Noé, con Russell Crowe como protagonista. De ella hablé en otro post anterior.

El anuncio oficial sobre el proyecto, que está en manos de Paramount y New Regency, se hará la semana que viene, según adelanta en exclusiva Deadline, que ya aventura que no será primavera -como está previsto en un principio- sino en junio cuando comience el rodaje.

Finalmente se confirma a Russell Crowe como el protagonista de este relato bíblico, aunque el ganador del Oscar por Gladiator no fue la primera elección de Darren Aronofsky. El director puso sus ojos en el actual Batman, Christian Bale, que se interesó por el proyecto, aunque no pudieron cuadrar las agendas. Y es que Bale ya se había comprometido con Terrence Malick (El árbol de la vida) para dos películas: Lawless y Knight Of Cups, cintas que se rodarán de forma sucesiva y que le tendrán varios meses ocupados.

Ante la imposibilidad de contar con Bale, a Aronofsky le llevó varios meses encontrar otro actor que le convenciera y finalmente optó por Crowe, que actualmente rueda junto a Hugh Jackman la adaptación del mítico musical Los miserables.

En esta cinta Crowe se reencontrará con algunas caras conocidas, como el productor Arnon Milchan, con quien coincidió en L.A. Confidential, y el guionista de Gladiator, John Logan, que ha reescrito el libreto de Noah, obra de Aronofsky y su guionista habitual, Ari Handel.

Un proyecto en el que Aronofsky regresa a la carga tras su primera nominación al Oscar por Cisne negro y en el que ha puesto toda la carne en el asador. De hecho, el realizador neoyorquino le dio calabazas a un taquillazo seguro como la secuela de Lobezno para centrar sus energías en la película sobre el Arca de Noé.

"Desde que era niño me han conmovido e inspirado la historia de Noé y el viaje de su familia. Los imaginación de incontables generaciones ha volado con esta épica historia de fe. Y espero que pueda abrir una ventana hacia la pasión y perseverancia de Noé en la gran pantalla", afirmó entusiasmado Aronofsky cuando presentó el proyecto.

(vía: religión en Libertad)

Estreno de "Popieluszko: la libertad está en nosotros" (27 de enero)

Este viernes 27 de enero se estrena en España Popieluszko, una historia épica sobre la vida y martirio del padre Jerzy Popieluszko, héroe del movimiento Solidaridad. Este sacerdote, considerado como un héroe por el pueblo polaco, fue brutalmente asesinado en octubre de 1984. El 6 de junio del pasado año fue beatificado en Varsovia. La película relata también los vertiginosos días de Solidaridad, así como la situación política de la Polonia de los años 80.

El filme cuenta la historia de un hombre que pasó de ser un chico de campo a convertirse en el guía espiritual de una nación entera, y en el símbolo de la lucha por la verdad y la auténtica libertad.

El padre Jerzy Popieluszko descubrió su vocación poco después de realizar el servicio militar. Años después, se forjaría su leyenda en los difíciles tiempos de la “ley marcial” y su fama empieza a conocerse por todo el país. Pero un día Popieluszko desaparece ante el estupor del pueblo polaco y poco después aparece su cuerpo arrojado a un lago, víctima de un brutal asesinato. A su funeral en 1984, acudieron más de medio millón de personas.

El gran destino de este sacerdote se desarrolla sobre el fondo de los acontecimientos que cambiaron la historia en la década de 1980. Son los años en los que se proclama la huelga que dio origen a Solidarność, el primer sindicato independiente de la Europa del Este. El clima encendido de esos días se reconstruye en numerosas escenas de masas, en las que participaron personajes que vivieron realmente esos momentos.Popiełuszko es una de las pocas películas que cuenta este importante periodo de la historia contemporánea. La cinta se dirige a un público amplio. En Polonia la vieron más de 1.300.000 espectadores. Su éxito allí se debió a la fuerza de la historia y a las grandes emociones que despierta, contadas con un lenguaje sencillo. La preparación del rodaje duró varios años. Durante este periodo, los creadores de la película recogieron una gran documentación, entre la que se encuentran los testimonios directos de las personas que conocieron y siguieron a Jerzy. En la escritura del guión, el autor, además de dar consistencia a los acontecimientos históricos, estuvo en constante comunicación con la familia y amigos de Popiełuszko.

La película ha sido producida por Focus Producers Srl. (con la colaboración de IF Max-Film S.A), que invirtió en el proyecto cerca de 3 millones de euros; además, la cinta ha sido cofinanciada con fondos del Instituto Polaco de Cine y del gobierno de Mazovia.

Tiene abierta una completísima web oficial. Allí se pueden descargar: carteles, fotografías, dosieres de prensa, testimonios de quienes conocieron a Popieluszko y toda la información sobre el filme. También puede solicitarse el estreno en la propia ciudad, o en un cine cercano. El trailer refleja muy bien los temas del filme y las crisis del personaje, así como todo el esfuerzo de producción que hay detrás.

CARTAS A DIOS

Entrevista a Éric-Emmanuel Schmitt
El célebre filósofo y escritor francés, que debutó como director con Odette, una comedia sobre la felicidad, regresa al cine con Cartas a Dios, una propuesta optimista que ayuda a aceptar la enfermedad, el sufrimiento y la muerte como trances tan normales como inherentes a la condición humana. La religión, el amor, la felicidad o la reflexión sobre la existencia de Dios son temas recurrentes en la dilatada obra de este autor que se define a sí mismo como un filósofo de mirada humanista y que, después de beber del ateísmo, el agnosticismo y los textos de las distintas religiones, se descubrió cristiano. Larissa I. López, colaboradora de CinemaNet, tuvo el placer de entrevistar a este magnífico director con motivo de la premiére de Cartas a Dios.




Cartas a Dios es una adaptación de su libro Oscar y Mamie Rose ¿Qué ha aportado el medio cinematográfico a la obra, al mensaje de la historia?

Eric-Emmanuel Schmitt: La novela está planteada como unas cartas del niño en las que él cuenta su vida. En ellas aparecen escasos rasgos de Rose, únicamente el efecto beneficioso que tiene esta señora vestida de rosa en su vida. En la adaptación, en cambio, se puede seguir la trama de los dos personajes y la película me ha permitido contar algo que no estaba en el libro: el destino de la vida de Rose. Se muestra así como una mujer como cualquiera de nosotros -estresada, furiosa, que solo piensa en sus propios problemas, que no cree en sí misma, que se tiene en muy mal concepto- encuentra tiempo para ir a un hospital, para hablar con un niño que está enfermo e influir en su vida. Y gracias al cine también he podido contar una historia de amor entre un niño de 10 años y una mujer de 50. El encuentro provoca que ambas vidas se vean alteradas positivamente. La pequeña existencia de Oscar se enriquece gracias a la imaginación y a la sinceridad de Rose; y junto a Oscar, Rose, descubre en sí misma a ese ser extraordinario que desconocía por completo.

La historia habla sobre el sufrimiento y la muerte, grandes cuestiones que generan interrogantes e incertidumbres en la vida de todo ser humano. Y, precisamente, uno de los valores de la película es la valentía con la que se afronta la temática a la vez que se aportan interesantes respuestas:

Soy un poco como los niños de mis películas. Esos niños hacen muchísimas preguntas y quieren hablar de muchos temas. No son como los adultos, que después de un cierto número de años de vida prefieren esconderse hipócritamente en el silencio, y creo que el silencio es algo muy negativo porque genera angustias.

En Cartas a Dios los personajes de los padres y los médicos tienen miedo de hablar con el niño sobre la muerte y el dolor y parecen representar la falta de respuestas en la sociedad. ¿Cree que el nihilismo imperante es el principal obstáculo para que las personas encuentren respuestas humanas a misterios que son –valga la redundancia- inherentemente humanos?

Creo que estamos viviendo un periodo bastante estúpido, pensamos que la vida se puede prolongar indefinidamente, que seremos siempre jóvenes, que podremos vencer a la muerte. Nuestra época vive la ilusión engañosa de que la vida se alarga, de que quizá venceremos a la muerte, y parece que enfermar o morir sean accidentes, pero es importante no considerarlos como tales, sino como algo normal. En la época en la que vivimos quizás son los adultos los que están menos armados para comprender estos elementos como una parte más de la condición humana.

¿Está de acuerdo entonces con la idea de que ante cuestiones tan duras como la enfermedad de un niño terminal como Oscar, la religión, en este caso la cristiana, es una respuesta esencialmente humana que aporta el sentido a este trance?

No puedo afirmar que la religión sea una certeza, pero creo que sienta bien, que ayuda bien. Puede que la religión sea concebida, recibida para ayudar a atravesar la existencia, para dar un sentido a lo que nos ocurre, al nacimiento, a la muerte, a la enfermedad, al amor… Es necesario respetar la espiritualidad que nos ofrece la trascendencia, porque si pensamos que la vida es sólo una agitación de moléculas, algo accidental, algo puramente material, no hay ningún valor fundamental que ayude a abordar todos los aspectos de la existencia. Lo esencial es mantenerse fiel a unos valores como los judeo-cristianos. Se puede ser ateo, no tener fe, pero usar esos resortes para afrontar la vida, ya que sin ellos la soportaríamos más que vivirla. Creo definitivamente que la religión puede ayudar a intensificar la vida, y a atravesar esos momentos dolorosos.

A Oscar le ayuda mandar cartas a Dios, le sienta bien, aunque no crea en Él. Es un personaje hecho por adultos y escribir esos mensajes le ayudan a vaciarse un poco de furia, de cólera, de distinguir lo que es esencial; le hace más reflexivo, más altruista. Esta meditación le beneficia, aunque Dios no exista, a él le viene bien.

Hay una frase del poeta Víctor Hugo que dice ‘Dios está por hacer’, es decir, que somos nosotros los que tenemos que fabricar, que construir ese Dios. Aunque Dios fuera sólo lo mejor del hombre, a mí ya me parece bastante. Yo creo que es algo más, pero aunque exclusivamente fuera ese mínimo, yo creo que habría que hacer a Dios con urgencia.

En contraposición al papel de los padres está el de Rose, un personaje muy humano que es capaz de ser honesta con el niño y además aporta un mensaje eminentemente espiritual, profundo. Me gustaría saber si se inspiró en alguien para construir un temperamento tan redondo…

Para crear el personaje de Rose me inspiré en una persona que conozco, en una amiga que va todos los miércoles al Hospital Necker de París a jugar con niños que están convalecientes o esperando tratamiento. Le acompañé en varias ocasiones y es verdad que me infundió rasgos del personaje. Como Rose, se trata de una persona extremadamente generosa, y al mismo tiempo muy atípica, muy fantasiosa, ni social ni políticamente correcta, una personalidad riquísima.

Fue difícil rodar las escenas entre Rose y Oscar por su fuerte carga emocional?

En el plató todos estábamos realmente conmovidos, no sólo por la historia que estábamos contando sino por lo correcto y preciso que Amir era. A veces incluso se nos olvidaba que estábamos haciendo cine y sentíamos una intensa emoción. Fueron unas escenas tremendas las que se rodaron con el niño, tanto es así que el veterano Max von Sydow (el Dr. Düsseldorf) y Michèlle Laroque (Rose) tenían que irse a sus camerinos a recuperarse: ella a llorar, porque es mucho más sensible que lo que representa en el papel de Rose; y él a hablar con su mujer, a hacer algo que le sacara un poco de la historia.

El reparto de la película es inmejorable, pero sobre todo destacaría la frescura y la vez la madurez del niño, de Oscar. ¿Cómo encontró a Amir, y cómo se enfrentó un niño a un tema tan arduo por representar?

Mientras estaba preparando la película, pensaba: “¿habrá nacido el niño que pueda interpretar a Oscar?”. Tenía mis dudas, y me prometí que si no encontraba al niño ideal que pudiera interpretar a Oscar no la rodaría. Yo buscaba un alma, no un físico y en Amir observé el espíritu de Oscar: esa inteligencia, suavidad, amabilidad, dulzura y fragilidad del personaje. Además, el niño era un gran actor. Todo el plató estaba enamorado de él. Amir era tan increíble que Michèle Laroque, la actriz que interpreta a Rose, le contaba sus propias experiencias sentimentales para que el chico le diera algún consejo. Era un niño que tenía la pureza e ingenuidad propias de la infancia y a la misma vez una mirada en la que se percibían más de 1.000 años de sabiduría. Nunca le tuve que explicar nada, ni un sentimiento ni una situación, estaba enamorado de la historia y se identificaba totalmente con Óscar.

Por último, la película contiene varias escenas en las que se potencia la imaginación de Oscar, como un medio para amar la vida a pesar de todo ¿Le ayudaron estos extractos a conectar con el mundo infantil y a plasmarlo en la película?

Por fin he podido tener 10 años haciendo esta película, antes de que sea demasiado tarde. Como en el juego que Rose plantea a Oscar en la película, conservo todas mis edades en el fondo de mi corazón, ninguna de ellas ha desaparecido. Entonces, cuando había que rodar esas escenas de la lucha libre, aparecía el niño de 10 años que hay en mí, cogía la cámara, dirigía a todo el mundo y sabía perfectamente lo que tenía que hacer. Creo que fue el momento más feliz del rodaje.

"Encontrarás dragones" y "La Misión": un extraordinario paralelismo

Escrito por A. Méndiz

El día 25 de este mes se estrena "Encontrarás dragones" (There Be Dragons), el último filme de Roland Joffé. En estos días la prensa publica entrevistas a sus actores principales: a Wes Bentley (Hacer familia) y a Olga Kurylenko (Mujer hoy). También recoge artículos de periodistas conocidas: Pilar Cambra en Expansión, Cristina López Schlichting en La Razón.

Yo tuve la fortuna de ver la película hace mes y medio. He diferido mi opinión porque no quería precipitarme: es un filme denso en contenidos, demasiado rico en sugerencias como para desbrozarlo deprisa y corriendo. Tiene, además, una temática poliédrica: amor, perdón, celos... amistad, redención personal. Y, sobre todo, suscita una experiencia muy enriquecedora: llena el corazón de esperanza y la mente de reflexiones; nos hace vivir el pasado para iluminar nuestro presente.

Por eso, he preferido esperar. Y, aún hoy, me decido a abordar un sólo aspecto de sus valores cinematográficos: su portentosa continuidad con la obra más acabada de Roland Joffé: "La Misión", nominada a 7 Óscars (entre ellos: Mejor película y Mejor director) y referencia habitual en los circuitos de cine-fórum.




Las dos películas reflejan no solo el estilo personal de Roland Joffé, sino también sus preocupaciones de fondo: ambas narran historias de personajes complementarios, unidos por una fuerte amistad, que toman caminos distintos en la vida. Esa toma de postura sucede ante una conflicto bélico inesperado, ante una situación de crisis externa que deviene en catarsis personal.

Junto a esta situación de partida, ambas cintas comparten unos mismos puntos argumentales que dan fuerza y consistencia al drama fílmico:

1. En ambas películas, el hijo de una noble familia se ve sometido a prejuicios de clase y afronta una crisis personal: tras un pasado oscuro, vive en el presente con profundos dragones interiores. Es el caso de Rodrigo de Mendoza (Robert de Niro) en "La Misión", que en un duelo, por una disputa amorosa, asesinó a su propio hermano. Es también el caso de Manolo Torres (Wes Bentley) en "Encontrarás dragones", que abandonó el seminario y huyó de sí mismo comido por el odio y la amargura.



2. En ambos filmes, ese conflicto interior -y la amistad con alguien que le aporta luz y esperanza- se ve sacudido por un conflicto exterior que introduce el odio en sus vidas: la guerra de los portugueses contra los guaraníes en "La Misión"; y la guerra de los republicanos frente a los nacionales en "Encontrarás dragones".

3. Ambas películas afrontan el tema de la redención personal: en "La Misión", Mendoza siente el remordimiento por el fratricidio cometido; en "Encontrarás dragones", Manolo vive en su ancianidad con el peso de unos hechos acontecidos durante la guerra civil española.



4. En ambas cintas, ese personaje en crisis toma el camino de la violencia. Mendoza empuña la espada y sale a pelear con los guaraníes en un combate desigual, hacia una muerte segura. Manolo empuña la pistola y no dudará en utilizarla contra seres indefensos y maniatados.


5. Y, finalmente, en ambas películas aparece un personaje -un hombre de Dios- que lucha con la palabra y el mensaje de paz en un mundo de odios desatados: el padre Gabriel en "La Misión" y S. Josemaría en "Encontrarás dragones". Uno y otro trabajan por el reino del amor; y cuando el conflicto bélico parece obligar a una espiral de muerte (o matas en un bando o matas en el otro), ambos resisten esa tentación y permanecen fieles al mandato de Cristo: la violencia sólo puede combatirse desde la paz, nunca desde la violencia.

Para mí, "Encontrarás dragones" es el testamento cinematográfico de Roland Joffé. Aunque luego dirija más filmes, esta película es, de alguna manera, su última palabra -la definitiva en cuanto a los temas- que enlaza maravillosamente con su primera: la lección de amor y de perdón que transmite en esta cinta es el mismo mensaje que escuchamos también en "La Misión". Ambas guardan un extraordinario paralelismo. Ambas están llamadas a convertirse en clásicos del Séptimo Arte.

"De dioses y hombres": Éxito desbordante del preestreno benéfico

Por María Martínez (Cinemanet).

Unas 2.000 personas asistieron el pasado 13 de enero al preestreno benéfico en Madrid de “De dioses y hombres“, la película de Xavier Beauvois, candidata de Francia a los Oscar. Lo que se había planificado como una proyección en la sala grande de los cines Palafox, para unas 800 personas, se convirtió en tres sesiones distintas, dada la enorme afluencia de público. En Barcelona, por su parte, también se agotaron las entradas 4 días antes del preestreno, llenando una sala de 250 butacas y con una larga lista de espera.



De dioses y hombres’ narra una historia real: los últimos años de siete monjes ciestercienses que vivían y trabajaban en el monasterio Nuestra Señora del Atlas, en Argelia. Fueron secuestrados por el Grupo Islámico Armado el 26 de marzo de 1996, durante la guerra civil que asoló el país, y murieron posteriormente en circunstancias que aún no han sido esclarecidas.

‘De dioses y hombres’, que se puede ver en cines desde el 14 de enero, llega a España tras cosechar un gran éxito tanto de taquilla, en Francia e Italia, como de crítica. Ha sido galardonada, entre otros, con el Grand Prix de honor, el segundo premio más alto del Festival de Cannes.

Fray José Luis Navarro, trapense de la comunidad de Nuestra Señora del Atlas, que ahora se encuentra en Marruecos, participó en el preestreno, y transmitió a los asistentes el agradecimiento de toda la comunidad, y explicó cómo viven, a 1.500 metros de altitud, los cuatro monjes y unas religiosas franciscanas, rodeadas sobre todo por bereberes que, “aunque son musulmanes, están orgullosos de la iglesia que hay en el centro del pueblo, aunque esté cerrada y sin sacerdote”.

La convivencia con la población musulmana -subrayó el monje- es pacífica, tal como se describe en la primera parte de la película: “Nos llaman ‘marabut’, hombres de Dios, y nos piden oraciones y traen velas para la Virgen”.

En el preestreno también participó el crítico de cine Juan Orellana, que definió la cinta como “una de las películas más conmovedoras que he visto en los últimos años. No tiene nada de triste. Puede ser dura, conmovedora, impactante, pero también llena de esperanza y reconfortante”.

Además, consigue una cosa “muy difícil, como es armonizar dos estilos: el que nos cuenta su vida de oración y contemplación, y otros momentos de gran tensión dramática. Está perfectamente armonizado porque fue así. Es muy difícil ponerle ‘peros’, todo lo toca con exquisitez y acierto. Es impresionante pensar que está hecha por no católicos, tanto en el equipo técnico como los actores, a los que les ha cambiado la vida hacerla”.

EN BUSCA DE DIOS Y DEL SENTIDO A LA VIDA

Visión”
En el siglo de las Cruzadas y del arte gótico, en el tiempo de cátaros y albigentes, en la época de los enfrentamientos entre el sacro imperio romano-germánico y el Papado, cuando se iniciaron la primeras escaramuzas entre fe y razón surge Hildegarda de Bingen que escribió una obra enciclopédica, compositora y autora teatral, predicadora y reformadora monástica que como mística se sentía enviada por Dios. Margarethe Von Trotta se fijó hace bastantes años en la vida de esta monja benedictina que se le presentaba como mujer revolucionaria que vivió de una extraña inspiración. Visión. La vida de Hildegarda de Bingen es la película que intenta presentar su historia con un deseo sincero de adentrarse en los motivos y el carácter de esta mujer. Un empeño histórico difícil, una mirada biográfica compleja y una experiencia religiosa inefable de los que la directora sale airosa aunque con una propuesta no fácil de digerir.





La película narra la historia real de una comunidad trapense que vive con la creciente amenaza de un linchamiento popular. Los ocho monjes franceses de ese monasterio han vivido muchos años en armonía con sus hermanos musulmanes, pero a principios de los 90 la tensión fanática crece. A pesar de la amenaza que los rodea, los monjes deciden quedarse.... Centrada en en los motivos por los cuales aquel grupo de monjes decidió permanecer, la cinta nos permite descubrir la libertad de unos hombres que dan su vida por el proyecto de reconciliación que ha nacido de su experiencia contemplativa de Dios.



La película "There Be Dragons", que cuenta con una interpretación libre de la figura de san Josemaría Escrivá (el único personaje histórico del filme), se estrena en España el próximo 25 de marzo.

“Encontrarás Dragones” es un drama épico, centrado en la investigación que Robert (Dougray Scott), periodista español, realiza sobre una serie de acontecimientos acaecidos durante la guerra civil española (1936-1939), que tuvieron como protagonista a su propio padre y a un joven sacerdote, Josemaría Escrivá de Balaguer (Charlie Cox). A través del relato de su padre, Robert va a descubrir una terrible historia de traición, celos y muerte, pero también de redención y perdón con el terrible trasfondo que supuso la guerra en un país enfrentado entre sí.

Josemaría y Manolo, amigos desde la infancia, se ven envueltos en la Guerra Civil, acontecimiento que separa sus caminos.

Años más tarde, Roberto, el hijo de Manolo, descubre la amistad que su padre mantuvo con Josemaría, que se ordenó sacerdote y fundó el Opus Dei.

"Feliz Navidad": Los villancicos que detuvieron la Gran Guerra en Navidad

Sucedió el 24 de diciembre de 1914 en el frente de Ypres (Bélgica), en la zona más dura de las trincheras que separaban las tropas del Imperio Alemán de las tropas británicas, durante el invierno de la Primera Guerra Mundial. Se decretó una tregua para esa noche que implicaba permanecer en los puestos sin disparo alguno, pero -al empezar la cena de Navidad- las tropas alemanas se animaron a decorar sus trincheras, y luego continuaron su celebración cantando villancicos, especialmente "Stille Nacht" (Noche de paz). Las tropas británicas respondieron entonces con "Adeste fideles" y algunos villancicos en inglés.

A continuación, ambos ejércitos intercambiaron gritos de alegría, muestras de amistad y deseos de una feliz Navidad para todos. Al poco, hubo encuentros de unos y otros en la tierra de nadie, y allí se intercambiaron pequeños regalos: whisky, cigarrillos, etc.
La tregua también permitió que los caídos fueran recuperados desde detrás de las líneas y enterrados cristianamente. Se celebraron ceremonias fúnebres con soldados de ambos bandos, llorando las pérdidas de uno y otro lado, y ofreciéndose mutuamente el pésame. En uno de esos entierros en lona de nadie, soldados británicos y alemanes leyeron juntos un fragmento del Salmo 23:

El Señor es mi pastor, nada me falta.
Sobre pastos verdes me hace reposar,
Aunque camine por un valle oscuro
no temeré mal alguno porque Él está conmigo.

La tregua se propagó hacia otra áreas. En algunos puntos duró hasta el año nuevo, e incluso hasta el mes de febrero. Los comandantes británicos John French y Sir Horace Smith-Dorrien juraron que una tregua así nunca volvería a permitirse; paradójicamente, ambos habían dejado el mando antes de la Navidad de 1915.

En 2005, Christian Carion llevó a la pantalla esa tregua de Navidad, basándose en el relato de unos de los testigos: "La increíble Navidad de 1914". He aquí el tráiler de este fantástico filme, titulado "Feliz Navidad", y a continuación la secuencia cumbre del canto de los villancicos:



Aquí, la secuencia de los villancicos:

LA ÚLTIMA CIMA EN TERUEL

Todos conocemos la repercusión que ha tenido la proyección del Documental-Película, titulado: “LA ÚLTIMA CIMA”, referente al sacerdote Pablo Domínguez, que murió en 2009 en un accidente de montaña en el Moncayo. Tenía 42 años.

La película es un canto a la vida del sacerdote “normal”: que ni es delincuente, ni tampoco heroico, ni exorcista, ni misionero en lugares extremos, sino que simplemente está disponible, atiende a la gente, la escucha, la confiesa, predica la verdad sin miedo, con humor e ingenio.

Ya ha sido proyectada en más de cincuenta salas, con una considerable acogida por parte de los espectadores.

Los pases, en el Cine Marín de Teruel, serán los días : 9, 10, y 11 a las 6, 30 y 8,30, de la tarde, y el día 12 tres pases, 6,30, 8,30 y 10,30 de la tarde.


En este tiempo de verano bien viene un pequeño “remojón” cinematográfico, con una buena película, en la que habla “bien de los curas”.

"La última cima": ¿hay nicho para el cine religioso en España?

Su estreno madrileño ha superado en recaudación a "Sexo en Nueva York 2" y ha merecido los mejores elogios de la crítica y no pocas reflexiones interesantes. Quizás porque la propia historia del sacerdote D. Pablo Domínguez es verdaderamente ejemplar. En Decine21, una web que suelo recomendar, han titulado la reseña con el sugerente título "Un cura para la eternidad".





Ahora encuentro un artículo de fondo de Hildy Johnson, publicado en su blog de Decine21, que por su sensatez y agudeza reproduzco aquí: "¿Hay nicho para el cine religioso en España?". No tiene desperdicio.

En Estados Unidos es un hecho que el cine religioso funciona, y funciona muy bien. Incluso hay técnicas de marketing muy avanzadas para alcanzar a un público muy amplio, que desea ver en las pantallas historias que conecten con sus convicciones más profundas, no hay más que pensar en cómo se lanzó allí La Pasión de Cristo, de Mel Gibson, o más recientemente títulos como The Blind Side (Un sueño posible), Bella y Prueba de fuego. Se organizan pases previos que centran su esfuerzo en el espectador cristiano, con envío masivo de información a parroquias y comunidades religiosas de tipo diverso. El resultado es que sacerdotes y pastores suelen recomendar las películas a sus fieles, y la gente responde positivamente.


La pregunta es: ¿en España es posible hacer algo así? ¿O se trata de un modo de hacer muy yanqui, un modelo no trasladable? La impresión, tras el estreno ayer en cines de La última cima, es que la cosa también puede funcionar por estos lares. El documental de Juan Manuel Cotelo sobre un sacerdote muerto en accidente de montaña, se vende con la frase promocional "La película que habla bien de los curas", y el tamtam entre el público más interesado está funcionando perfectamente, con el boca a oreja, e internet. De modo que, según datos de la distribuidora Europa Dreams Factory, con sólo dos copias en los madrileños cines Palafox y Dreams Palacio de Hielo, se ha convertido en la película de mayor recaudación por copia, con una media de 3.862,5 euros, y es la número 18 de más taquilla en total. Tal acogida ha permitido que esté ya previsto el estreno en 25 ciudades, con una cifra de copias aún por determinar, pero superior lógicamente a las 25 copias.


Quizá el cine español, en los últimos tiempos no muy positivo en su mirada al cristianismo -piénsese en títulos como Ágora, Los girasoles ciegos o Camino- debería pensar en cuidar a un público que puede darle muchas alegrías. Hay compañías que han tratado de hacerlo con títulos como la reciente Lourdes, pero sin duda que en España todavía hay mucho trecho que recorrer en la promoción de un tipo de cine que, como en el caso de La última cima, acaba sorprendiendo gratamente incluso a los no creyentes o indiferentes.

Si queréis saber más sobre la película que está ahora en los cines, os invito a ver este monólogo del director, todo un ejemplo de inteligencia, sinceridad y persuasión.

LOS SACERDOTES CATÓLICOS EN EL CINE

Historia de fidelidad y de servicio

Con motivo de la Clausura del Año Sacerdotal, promovido por el Papa Benedicto XVI, y que tendrá lugar, el día 11 de junio, en Roma, la Delegación Episcopal de Medios de Comunicación Social ha preparado dos sesiones, los días 8 y 9 de junio, de “LOS SACERDOTES CATÓLICOS EN EL CINE, Historia de fidelidad y de servicio”, serán a las 5,30 de la tarde en el Salón de Actos de la Residencia del Corazón de Jesús, Hijas de la Caridad, en la Plaza Francés de Aranda, 2.

Junto a una pequeña oración de agradecimiento por la figura del SACERDOTE, se mostrarán las características y cualidades sacerdotales a través de fragmentos de películas a nivel mundial. Con la posibilidad de poder visionar la última película, realizada en España, en la que se “habla bien de los curas”, titulada “LA ÚLTIMA CIMA”. Vea el trailer:







SI QUIERES QUE SE ESTRENE EN TU CIUDAD PÍDELO EN: laultimacima.com

SINOPSIS
Pablo, sacerdote, sabía que iba a morir joven y deseaba hacerlo en la montaña. Entregó su vida a Dios… y Dios aceptó la oferta. Ahora dicen que está vivo.

Pablo era conocido y querido por un número incalculable de personas, que han dejado constancia de ello después de su muerte.

LA ÚLTIMA CIMA muestra la huella profunda que puede dejar un buen sacerdote, en las personas con las que se cruza. Y provoca en el espectador un pregunta comprometedora: ¿también yo podría vivir así?

Agora: Articulo del profesor de comunicación audiovisiual Alfonso Méndiz

Acabo de leer la crítica que Juan Orellana, Director del Departamento de Cine de la Conferencia Episcopal Española, ha publicado sobre la película “Agora”, de Alejandro Amenábar, en la web Aceprensa. Al terminar de leer su reseña, he pensado que, si se informan mínimamente de su contenido, muchas personas creyentes decidirán no ir a verla.

Y tienen para ello dos buenas razones: la primera, que la historia no les aporta mucho, a pesar del enorme esfuerzo de producción y de los millones de euros que han recibido como subvención; y la segunda, que el argumento que la sustenta puede resultarles engañoso (al no distinguir entre lo histórico y lo ficticio) y, sobre todo, les puede doler por la amarga caricatura que hace de la Iglesia. La solvencia profesional de Orellana puede convencerles de no hacer probatinas con su tiempo ni con su dinero.

Lo peor del filme no es la crítica a determinados pastores de la Iglesia –y aun a santos canonizados, que a todos llega su látigo fustigador- sino ese ateísmo maniqueo que todo lo prejuzga antes de conocerlo, y que se reviste incluso de fórmulas infantiles: “en Ágora –señala Orellana- los paganos visten de blanco (Hipatia), y los cristianos de gris o de negro (Amonio, Cirilo). A este esquema bipolar, Amenábar añade a lo largo del filme una vuelta de tuerca: lo malo no es en realidad el cristianismo, sino cualquier concepción teológica”.

Como señala al final de su bien documentado artículo: “Es imposible que un cristiano pueda sentirse históricamente reconocido en la propuesta cinematográfica de Amenábar, muy lastrada por tópicos, prejuicios, esquemas ideológicos y leyendas negras”.

Para quien quiera saber quién fue Hipatia de Alejandría –los datos ciertos, los probables y los hipotéticos: porque aún hay muchas lagunas en la investigación histórica sobre este personaje- le recomiendo el espléndido ensayo publicado en Primeros cristianos. Allí se sitúa también el contexto histórico y se añade, para los entendidos, una mínima bibliografía.

Lo que decía. Por lo que respecta a este filme, personalmente, me quedo con la verdad.